Entrevista a Michael Manring


Hola, fue tu cumpleaños el mes pasado ¡feliz cumpleaños!

Muchas gracias, es muy cortés de tu parte decir eso.

Fue el 27 de junio ¿correcto?

Así es.

Así que ¿cuántos años tienes ahora?

Oh, me gustaría decir que tengo 22 pero tengo 53.

Bueno quizá te sientes como de 22.

Sí me pasa con frecuencia.

Y ya que empezaste a tocar el bajo a los 9 años qué se siente haberlo estado tocando durante tanto tiempo.

Creo que esa es una de las cosas que me hacen sentir que tengo 22 años; entre más aprendo más me doy cuenta de todo lo que hay por aprender. Así que aún me levanto todos los días con muchas ideas y muchos deseos de probar diferentes cosas y sintiendo que no hay suficiente tiempo para explorar todas estas cosas.

Una vida parece corta para eso.

Una vida es muy corta para todo lo que la  música tiene que ofrecer.

 

Tú naciste en una familia muy musical y entiendo que cuando tu madre se dio cuenta de que tenías un interés en la música, te consiguió clases de piano hasta que te diste cuenta que en realidad lo que estaba llamando tu atención era el sonido del bajo.

 

Sí eso es verdad. Es curioso, mis abuelos eran muy musicales; tres de mis cuatro abuelos eran músicos profesionales o prácticamente profesionales en algún momento. Pero mis padres estaban un poco reacios con respecto a la música. Mi madre estaba contenta conmigo tomando clases de piano cuando era un niño, pero no estaban tan seguros sobre el bajo. Creo que estaban preocupados por el rock y toda esa cultura; les preocupaba que estuviera involucrado en eso.

 

¿Sexo, drogas y rock and roll?

 

Sí,  ellos quizá pensaban que no era el estilo de vida más responsable… y en muchas formas, su preocupación era atinada, estoy agradecido por ello… pero simplemente amo  la música tanto que no podía resistirme a hacerlo.

 

 

¿Qué es lo que te atrajo específicamente sobre el bajo?

 

Oh el bajo… he pensado mucho en esto al pasar de los años porque simplemente amo  este instrumento. Siento una gran pasión por él y no es algo que mucha gente sienta. Conozco a muchas personas que se sienten cautivadas por el violín o la voz, la guitarra o la batería; pero no hay tantas personas que se apasionen así con el bajo. Creo que me siento así porque para mí es como mi voz originaria; me refiero a que este es un instrumento que fue inventado poco después de que yo nací y cerca de donde vivía. Así que crecí que con el instrumento, ha sido parte de la base de la cultura en la que me crié. Durante los setentas y los ochentas siempre estuvo ahí. No estaba al frente, pero siempre fue muy importante de todas formas.

Tengo un amigo, Jim Roberts que escribió un libro maravilloso sobre como el bajo cambió al mundo. Su tesis básicamente es que sin el bajo eléctrico el rock no habría sido posible y todos los cambios que el rock trajo nunca hubieran ocurrido. Así que pienso que para mí el bajo simplemente es una voz muy importante donde me siento en casa y que dice muchas cosas sobre quiénes somos y cómo es vivir en estos tiempos.

 

 

Durante tu adolescencia tomaste clases con Peter Pinciotto y luego pasaste unos meses en Berklee y desde entonces has continuado innovando en la música y tu instrumento el cual se  ha seguido transformando. Así que ¿qué tanto de la música puede ser enseñado y qué tanto tienes que aprender  por ti mismo?

 

¡Oh esa es una buena pregunta! Es ambos (risas). Me refiero hay tanto que puede ser enseñado y hay tanto que tienes que aprender por ti mismo. Es una magnífica pregunta, es una de esas preguntas que es tan buena que en realidad no puedo contestarla, porque es diferente para diferentes personas. En mi caso, tuve que tomar mi propio camino y tuve que aprender mucho sobre la música, pero también tuve que pasar mucho tiempo trabajando solo por mi mismo y preguntándome  qué estaba bien para mí y qué tipo de estrategias podía usar que me ayudaran a encontrar satisfacción en la música.

 

Correcto y luego tuviste la oportunidad de  hacer algo que estoy segura la mayoría de los bajistas querrían hacer. Hiciste giras y tomaste clases con Jaco Pastorius, así que  ¿cómo eran esas clases y qué te enseñó?

 

Bueno esta es una cuestión muy compleja porque él era una persona muy compleja. Era por supuesto una persona muy importante para el bajo y cuando era un hombre joven, a mis veintipocos él era mi ídolo, mi héroe, yo quería ser justo como él. Así que lo seguía e iba a cuantos conciertos podía pagar y si no podía pagar a veces simplemente me sentaba afuera y le hacía muchas preguntas así que él me dijo “¿porqué no vienes y tomas unas clases?”. Y era muy difícil porque era admirable en muchos aspectos y en muchos otros era una figura muy trágica porque tenía un enorme dolor debido a su enfermedad y sus problemas con las drogas. Así que era muy difícil estar cerca de él porque estaba luchando tanto como ser humano. Esto me hizo  pensar mucho sobre quién soy yo y quién era él y si era esto lo que tomaba ser un gran músico y si valía la pena. Pasé por muchas preguntas existenciales en ese punto de mi vida, pensando si no debía tocar el bajo o si no debía ser un músico; pero al final creo que fue algo positivo para mí porque de alguna manera ese proceso me puso en mi propio camino y me ayudó a moverme en una dirección que se sentía bien para

 

 

Así que creciste a través de esta crisis personal…

 

Así es. Era tan trágico y tan doloroso verlo autodestruirse y ver la enfermedad que tenía tomar poder sobre él. Era enormemente doloroso porque era una persona que yo amaba muchísimo, porque amaba su música muchísimo y en muchas formas era una buena persona, él fue muy bueno conmigo de varias maneras pero era muy doloroso ver lo que pasaba.  Aunque al final algo bueno que tiene la vida es que podemos sacar algo bueno de las experiencias malas; el dolor puede ayudarnos a crecer y continuar adelante; eso es lo que trato de hacer con esa experiencia

 

 

Es correcto y actualmente usas un instrumento llamado el hyperbass y me gustaría hablar más de él en un momento, pero una vez tú dijiste en una entrevista que tu primer bajo fretless fue un Frankenstein que creaste y  ya que empezaste a tocar el fretless cuando tenías 18 esto significa que has estado rediseñando y alterando tus instrumentos durante un tiempo ¿por qué?

 

Sí pienso en el bajo eléctrico como un instrumento nuevo. Es un instrumento que propio de mi generación, así que me gusta la idea de poder cambiar el instrumento. No creo que su diseño esté terminado todavía; creo que es algo que estamos explorando y tratando de entender. Así que tengo un cómplice en esto que es John Zon de guitarras Zon y él trabajó conmigo cuando tenía ideas para el diseño y tenía sus propias ideas que eran muy interesantes. Por lo tanto experimentamos con diferentes cosas. Yo sólo quisiera tener más tiempo y más dinero porque tenemos muchísimas ideas con las que nos gusta jugar.

 

¿Tu interés en empujar el bajo como un instrumento solista y la exploración de lo que puede hacer por si mismo sin necesidad de overdubs u otro tipo de recursos como tiene que ver con tu necesidad de crear variaciones de él?

 

Sí creo que todo va de la mano. Me siento un poco avergonzado de hecho de decir cuánto disfruto esta idea del bajo tocando sólo. Incluso cuando no se trata de mí, aún amo esta idea porque este es un instrumento que siempre hemos escuchado en el fondo y siempre ha estado bajo la música. Es algo tan hermoso para mí que no puedo explicar lo que significa ponerlo al frente y escuchar toda la sutileza de su sonido y darle la oportunidad de florecer y desarrollarse. Así que encuentro la idea del instrumento tocando sólo muy irresistible.  De hecho no me gusta la idea del ego de estar sólo en el escenario con toda la atención en mí y estuve rehuyendo de ello durante largo tiempo, pero la idea  de escuchar todos los sonidos que puede hacer me resulta irresistible.

 

 

Diseñaste el hyperbass con John Zon y has dicho que esto fue para empujar los límites del instrumento cuando  empezaste a experimentar con la afinación. Así que ¿por qué empezaste a experimentar con la afinación en primer lugar?

 

Bueno esto es interesante porque una de las cosas que tiene el bajo eléctrico es que fue diseñado desde una perspectiva diferente a la de casi cualquier otro instrumento. La mayoría de los instrumentos son diseñados como una hermosa obra de arte, pero el bajo eléctrico no lo fue. Fue diseñado para ser barato, producido en masa por máquinas y no personas y debido a esto tiene  ciertas cualidades que otros instrumentos no tienen. Una de ellas es que es muy resistente comparado con otros instrumentos y debido a ello lo puedes afinar de cualquier forma porque es poco probable que dañes el instrumento por cambiarle la afinación. Lo cual no pasa con otros instrumentos,  la mayoría de los instrumentos acústicos están diseñados en base a las tensiones de la afinación pero con el bajo eléctrico no tienes estas limitaciones y puedes afinarlo de cualquier forma. Esto abre todo tipo de resonancias para el instrumento, puedes tener cambios e identidades que sacan a la superficie sonidos y colores inusuales en el bajo.

Me di cuenta de esto tempranamente  y empecé a jugar con diferentes afinaciones y entre más experimentaba más me daba cuenta que había mucho que hacer. Tanto que sentí que necesitaba un instrumento que me ayudara a explorar mis ideas más allá; porque me di cuenta de que podía afinarlo de mil maneras distintas y cada una parecía tener algo que decir. Así que quería experimentar con un  instrumento que me permitiera cambiar la afinación mientras toco y que estos cambios de afinación se volvieran parte de la música. Esta es una de las ideas que incorporamos en el hyperbass.

 

¿Cambió tu manera de componer?

Absolutamente y eso fue algo intencional. Como dije siempre me interesé en diferentes afinaciones y resonacias y la idea de poder utilizar el cambio de afinación como parte del proceso de composición me atraía mucho. Era algo que podía ser nuevo y que me decía algo importante. De hecho ha sido una parte muy importante de mi concepto de la música.

 

En algún momento los músicos y los estudiantes de música se obsesionan un poco con el equipo ¿el instrumento que  tienes cambia la forma en que experimentas la música?

 

Yo creo que sí. Es interesante ver como diferentes culturas desarrollan  la música dependiendo de qué clase de instrumentos utilizan principalmente. Mucha de nuestra música – cuando digo nuestra música me refiero a la música  occidental – está construida alrededor del piano así que pensamos en la música desde la perspectiva pianística. Mientras que en otras culturas tiene diferentes ideas; en África  la música está construida alrededor de los tambores así que ellos piensan en la música desde una perspectiva percutiva, en India la música está construida alrededor de la voz así que ellos piensan en la música desde esta perspectiva. Así que  traté de desarrollar mi propia perspectiva de la música que está construida alrededor del bajo, sus idiosincrasias y sus posibilidades.

 

 

Tocas diferentes géneros y estilos, no sólo en tus proyectos, si no también cómo músico acompañante. Sobre esto has dicho que  encuentras las similitudes más concluyentes que las diferencias ¿Cómo es eso?

 

Sí creo que vivimos en una era muy inusual. Hay muchas cosas inusuales sobre ella. Una de las cosas importantes sobre esto es que muchas de nuestras viejas ideas sobre compartimentalización están siendo derribadas. Las fronteras entre los países se están volviendo más vagas y también las fronteras entre estilos artísticos se han vuelto más vagas. Así que disfruto mucho experimentar con diferentes géneros y trato de usar los aspectos de cada uno que me parecen atractivos. He aprendido algo  de cada tipo de música que he tocado y estoy tratando de encontrar una manera de poner todas las piezas de ese rompecabezas juntas en formas que me parezcan interesantes y atractivas.

 

También das clínicas y compartes tu conocimiento de esta maneras así que  ¿cuál es la cosa más  importante que quisieras que tus alumnos aprendieran?

 

Creo que trato de hacer que mis estudiantes piensen un una manera que… no tengo una buena palabra para esto, como orientados a metas, aunque ese  no es el mejor término. Trato de que se planteen que es lo que quieren lograr y luego usar eso para guiar el proceso de aprendizaje. Creo que si sabes claramente qué es lo que quieres hacer entonces el proceso que necesitas seguir para llegar ahí se vuelve mucho más claro, así que eso es en lo que me enfoco más con los estudiantes. Sólo intento que tengan una idea clara en sus mentes de a dónde se dirigen y eso siempre puede

 

Correcto y tocarás en México el 18 de Julio, así que ¿cómo te sientes de volver a México? ¿Tienes algo en mente para tu set?

 

Oh es genial volver a México. México tiene una cultura maravillosa y la ciudad de México es un lugar genial. Soy muy afortunado de viajar alrededor del mundo, pero creo que la cultura mexicana  es infravalorada en el mundo; todos sabemos de la belleza de París y de la vida artística de Roma, pero hay esta cultura sorprendente en la ciudad de México que me parece extraordinaria y cada vez que voy disfruto mucho estar con la gente y sentir la energía de la ciudad. Así que es maravilloso estar de vuelta.

Sobre lo que voy a tocar, usualmente me gusta dejar las posibilidades abiertas; una de las cosas que me resulta atractiva de tocar solo es que puedo ser extremadamente flexible. Si estoy tocando una pieza y a la mitad me parece que puede ir en una dirección diferente puedo ir ahí instantáneamente sin tener que preocuparme de comunicarme con otros músicos. Esto sólo puede hacerse cuando se toca solo, ya que cuando hay otros músicos todo tiene que estar un poco más programado. Para mí siempre hay este sentimiento misterioso de que cada vez que toco siento que hay una vibra particular en la habitación y trato de seguir eso y buscar formas en las que puedo hacer música que respondan a ese sentimiento en la habitación.  Siento que es algo muy abstracto y difícil de explicar con palabras pero me gusta dejar las cosas muy abiertas así  que nunca sé exactamente que voy a tocar hasta  que llego ahí, lo siento y empiezo a tocar.

 

Finalmente tu mencionaste antes que has luchado con tu ego con respecto a estar sólo en el escenario con toda la atención sobre de ti, pero haces cosas muy impresionantes como tocar dos o tres bajos en el escenario así que cómo funciona eso.

 

A decir verdad siempre desee que pudiera tocar fuera del escenario, sólo tocar la música y que la gente pudiera mirar algo más quizá el  trabajo de un artista o algo mientras toco. Pero no sé si sería efectivo y aprecio que la gente quiera ver como se hace la música. Así que siempre es un juego que jugamos como músicos y como personas en general, encontrar el balance que te permite poner tu ego en un buen lugar y en el caso de la música trato de mantener mi ego al servicio de la música. No es que no tenga un ego, todos apreciamos ser apreciados pero  si eso toma el control me parece que la música sufre. Así que es un acto de balance maravilloso y a veces luchamos un poco pero es una buena lucha y es parte del proceso que a veces disfruto y a veces aborrezco.

 

Bueno espero que disfrutes este proceso en México durante tu concierto.

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Edmeé García, la Diosaloca
Written by Edmeé García, la Diosaloca

He trabajado como ghostwritter, traductora, locutora (107.9 FM) y productora del primer Slam Nacional MX para el Circuito Nacional Poetry Slam MX (2015- jun 2017). He creado múltiples sets de spoken word a lo largo de una década, algunos acompañados de loops vocales y sonoros. También he colaborado con diversos artistas como directores, actores y músicos. En 2011 junto con Iraida Noriega y Leika Mochán formé "Frágil" un proyecto que unió música y poesía. En 2014 circunnavegué el globo a través de 12 países. En 2016 representé a México en el Slam Internacional de la FLUPP (Fésta Literaria das Periferias) de Brasil, ganando el tercer puesto. En 2017 presenté "Respira poesía", mi cuarto poemario spoken word. Actualmente tengo un dueto de spoken word y música experimental con Alda Arita y dirijo #DiosalocaMX y #SpokenWordMX

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